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老倪 的博客

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介绍西方画派----1.佛罗伦萨画派  

2013-08-14 10:26:27|  分类: 默认分类 |  标签: |举报 |字号 订阅

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老倪注:
        前几天我转载介绍了一个西方画派:拉斐尔前派,但根据自己的美术常识,感到转载的帖子中有不少明显的错误,于是再上网筛选资料了进行勘误。在筛选勘误之余,又感到与其东一榔头西一棒地介绍西方画派,还不如按顺序把西方主要画派逐一介绍,以利博友们较全面地了解,自己也可以温故而知新,防止老年痴呆。因此今天我在菜园里另辟了一个"美术专栏",以方便博友们今后的查找和阅读。

        西方画派主要有20个,依次罗列在下:
1.佛罗伦萨画派、 2.威尼斯画派、       3.尼德兰画派、
4.荷兰画派、          5.佛兰德斯画派、   6.学院派、
7.古典主义画派、 8.浪漫主义画派、   9.巴比松画派、
10.拉斐尔前派、 11.印象画派、        12.后印象派、
13.巡回展览派、 14.表现主义、        15.立体主义派、
16.达达派、          17.抽象表现派、    18.巴黎画派、
19.野兽派、          20.超现实主义。
        今后将不定期地介绍这二十个画派,以资博友们的雅兴。
                                                    2013年8月14日
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1.佛罗伦萨画派 

  佛罗伦萨画派是意大利文艺复兴时代形成的美术流派,14~16世纪几乎所有文艺复兴美术的重要画家,皆诞生、学习或工作于佛罗伦萨。早期代表画家有:乔托、马萨乔、波堤切利等。盛期代表画家有:达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。这些卓越的艺术家们高举人文主义思想的旗帜,与宗教神权文化进行斗争,创造了大量的建筑、雕塑和绘画作品,使得佛罗伦萨一时成为欧洲文艺复兴时,艺术文化和思想的中心。

佛罗伦萨画派侧重表现宗教题材,整个画面显得神圣、崇高而肃穆,如米开朗基罗的《最后的审判》、达芬奇的《最后的晚餐》等。佛罗伦萨画派注重素描造型,运用科学方法探索人体的造型规律,吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上,把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视,有明暗效果,表现三度空间的画法。把抽象的宗教神象画成世俗化的合乎新兴资产阶级要求的理想的人,成功地创造了人物画新风格。

该画派的创始人乔托在创作中,第一次按照自然的法则拉开了人物之间和人物与背景之间的距离,并有了初步的透视关系。这种现实主义艺术原则在马萨乔、波堤切利等画家的创作中得到进一步继承和发展。

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佛罗伦萨画派的创始人:乔托(1266—1337)也是文艺复兴意大利艺术的伟大先驱者之一。乔托的艺术是中世纪与文艺复兴的分界线,他不仅表现出卓越的绘画技巧,同时也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。乔托的代表作有《哀悼基督》《犹大之吻》

 乔托《哀悼基督》

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 在壁画《哀悼基督》中,乔托打破了中世纪圣像绘画对称、稳定的构图传统,将悲悼的场景安排在画面下半部的直角三角形区域。一面半人高的斜坡构成三角区域的斜边,将它与画中的山野和天空分隔开来。在这个狭小的区域内,死去的耶稣和为他哀悼的玛丽亚、圣约翰等人挤在一起,场面是紧张而压抑的。耶稣没有占据画面的中心位置,而是被放在左下角。他的身体瘦削而轻飘,给人一种失去生命之后的软弱无力之感。圣约翰显然对耶稣的死亡很吃惊,他急匆匆地跑来,俯身探看耶稣,双手惊疑地向身后展开。在他的对面,抹大拉的玛丽亚一面伤心地俯身望着耶稣,一面向身后的人群挥手示意,让他们不要打扰耶稣的安宁。这些画中的人物不再是那种符号化的,象征性的形象,而是丰满真实,并且自然地活动在画中情景内的人物。画面上方的天使们,是唯一用纷乱的形式来表现哀伤的。在这幅画,乔托大胆地突破了教会绘画传统,不是图解式的,而是以逼真生动的形象让我们看到了一个悲悼耶稣的情景。通过创造幻象使故事重新发生在我们的眼前。也许,透视法在希腊绘画中还只是一个单纯的技巧,但在乔托确立了定点透视之后,它就成为一个改变绘画观念的重要的革命因素。

乔托《犹大之吻》

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乔托《犹大之吻》 

《犹大之吻》是《圣经》故事之一,犹大是出卖耶稣的叛徒。在逾越节的晚餐桌上,耶稣指出他是出卖主的人。他知道自己已经暴露,就提前溜走,立即去给敌人引路前来捉拿耶稣,他以亲吻作为暗号。画面上表现的是犹大带领了一队兵马,还有祭司长和法利赛人的差役,直奔耶稣,要与他亲吻。画中耶稣双目紧盯犹大,满眼怒火;犹大则十分紧张。四周则充满着骚动,气氛极其悲壮。这幅画虽然是圣经故事,但从生活的光明和黑暗两个方面表现了一个真实的人物形象,表现了正义与邪恶的搏斗。  

乔托在《犹大之吻》这幅画中十分注意人物的主次之分,用心探索明暗表现和物体的体积感。乔托绘画的创新意义,在于发明了一套直接观察自然,以再现客观现实的绘画实验方法,开创了绘画早期的科学时代。他所塑造的宗教人物犹如雕像般的浑厚,个个都是有血有肉有人情味的世俗男女,不再是中世纪的幽灵;在画面艺术处理方面,力求在平面上再现立体空间的效果,空间具有空气感和深度感,画中形象具有体积感和量感;在人物安排上,善于突出主体形象,具有视觉的吸引力,这种艺术处理的方法,成为后来欧洲绘画的典范。乔托是公认的使西方美术摆脱中世纪美术程式的第一人,从而成为开创写实画风的鼻祖,被誉为欧洲近代绘画之父。

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    马萨乔(140l~1428)

也是佛罗伦萨画派的早期代表画家。原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪,马萨乔是其绰号,有“傻瓜”之意。他出身清贫,艺术师承不明,但在21岁时已获准加入画师行会。马萨乔着重写实的特色;画中人物体态具有明显的雕像塑形感。此后他与多纳太罗和F.布鲁内莱斯基友谊甚笃,3人皆为15世纪文艺复兴美术的发展作出贡献。 

代表作有《纳税钱》《三位一体》

马萨乔《纳税钱》

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 《纳税钱》故事说:耶稣外出布道,经一关卡,税官上前向他们纳税,耶稣问彼得:“你知我是谁?”彼得答:“你是基督,是上帝的儿子 ” 。耶稣说:“既然是上帝的儿子,就不能纳税。但不交税就不能过关。”于是让彼得到附近池塘中捕鱼,并说鱼口里有一块银币,可作税钱。于是彼得下塘捕得一鱼,从鱼口里取出银币交给税官,耶稣乃得出关。画中有三个连环的情节:阻拦、捉鱼及交付关税。画面以中央的基督及其门人群像为主,全面透视焦点集中于基督头部,光线和礼拜堂窗口进光方向一致,构成了前所未有的富于真实感的效果。画面背景辽阔,人物形象厚重而有生气,画布上充满了光线与空气,透视法运用合理,空间感极强,为文艺复兴时期的现实主义艺术创作奠定了基础。

 马萨乔《三位一体》

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 马萨乔 《三位一体》祭坛画则以极为杰出的建筑背景的透视表现著称,人物描绘除发挥马萨乔固有的雄浑朴实风格而外,还注意了三角形构图的稳定,被认为是其最成熟的作品。马萨乔通过这些作品显示了文艺复兴绘画的基本特色:现实主义表现手法与人文主义精神内容的统一,对日后影响极大。他虽由于过早去世无直传弟子,但整个15世纪佛罗伦萨画派皆承袭他的传统,盛赞布兰卡奇礼拜堂为所有艺术大师之学校。

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  波提切利(1445—1510)

在15世纪80年代和90年代,波提切利是佛罗伦萨最出名的艺术家。他的风格到了19世纪,又被大力推崇,而且被认为是拉斐尔的前奏。他人文主义思想明显,充满世俗精神。后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品,风格典雅、秀美、细腻动人。特别是他大量采用教会反对的异教题材,大胆地画全裸的人物,对以后绘画的影响很大 。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品。

 波提切利《维纳斯的诞生》

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《维纳斯的诞生》表现的是希腊神话中代表爱与美的女神维纳斯从大海中诞生的场景,这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同,不强调明暗法来表现人体造型,而更强调轮廓线,使得人体有浅浮雕的感觉,而且极适合装饰作用。画面中的女神肌肤洁白,金色的长发飘逸,无愧为是完美的化身;但脸上却又挂有淡淡的忧愁、迷惘和困惑。

 波提切利《春》

 
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 波提切利《春》
波提切利以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题,为罗伦左新购置的别墅绘制了著名的《春》。波提切利《春》里的维纳斯是代表生命之源的女神。画面右上方是风神,他拥抱着春神,春神又拥着花神,被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花;画面中间立着女神维纳斯,在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特;维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞,她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”,给人间带来生命的欢乐;画面的左方是主神宙斯特使墨丘利,手执伏着双蛇的和平之杖,他的手势所到,即刻驱散冬天的阴霾,春天降临大地,百花齐放,万木争荣。然而,画中人物的情态,画面并无欢乐之气氛,像春天里吹来一阵西北风,笼罩着一层春寒和哀愁,令观赏者不解。事实上在波提切利所塑造的艺术形象中,都寓含着对现实的惶恐不安。画家当时体弱多病,抱病从命作画,这种心境所创造的艺术形象自然也就忧郁哀伤了。

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  达芬奇(1452~1519)

 莱奥纳多·达·芬奇是佛罗伦萨画派盛期的代表画家,达芬奇是意大利文艺复兴时期最伟大最著名的巨匠,他不仅是一位天才的画家,并且是大数学家、科学家、力学家和工程师,通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科,是一位多才多艺、全面发展的人。他有着多方面的才能,对人类作出过多方面的贡献。他不仅会画画,雕塑,音乐,建筑房屋,还会发明武器,设计过世界上第一个飞行机、他又是一个医学家、音乐家和戏剧家,而且在物理学、地理学和植物学等其它科学的研究上也很有成就。他道德高尚,举止温雅,且体格健壮,力量过人,据说他一只手就能轻易地折断马蹄铁。他左右手都会写字、作画,他用左手写的字是反向的,人们只有在镜子里才能看懂。达·芬奇 既多才多艺,又勤奋多产,保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体,人体是大自然的奇妙之作品,画家应以人为绘画对象. 现在小行星3000被命名为“列奥纳多”以表示人们对列奥纳多·达·芬奇的尊敬和怀念。其代表作是《蒙娜丽莎》,《最后的晚餐》,《自画像 

《蒙娜丽莎》

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达芬奇《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。有评论云:“这是世界美术史上最美的一只右手;这副脸庞,只要见过一次,就永远离不开我们的记忆。”
达芬奇 《最后的晚餐》
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  达芬奇
 《最后的晚餐》作品题材取自圣经故事:叛徒犹大告密,基督在即将被捕和钉死在十字架前,与十二门徒共进晚餐,席间基督镇定地说出了有人出卖他的消息,此话引起众弟子的骚动,每个人都对这句话做出了富有个性的反应,有的向耶稣表白自己的忠诚;有的义愤填膺要求追查;有的大惑不解询问究竟。达·芬奇此作就是基督说出这一句话时的情景。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面,严整、均衡,而富于变化,无论从构思的完美、情节的紧凑,人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一,由于它的问世而使达芬奇名扬世界。

 达·芬奇《自画像

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 达·芬奇《自画像》以精妙的构图、流畅的线条和洗炼的笔法,细致刻画了画家晚年的思考力、意志力和性格特征。画中人物睿智的双眼、不屑的嘴角和坚毅的神情,既是画家内心无比自尊的真实写照,也是他对周遭境遇的全部态度,那宽广前额上布满的皱纹和波浪状披散的白色须发,蕴涵着不尽的沧桑与无奈,却依然掩饰不住他灵魂深处最原始的骄傲。 这是画家62岁时的自画像,寥寥数笔,就为后人留下了素描艺术史上的典范之作。”在同时代的人看来,达芬奇

在同时代的人看来,达芬奇就像一位充满传奇色彩的魔术师,有万能天才的美誉。在现代人眼中,令人惊异的是,他仅用十二幅完整的作品就奠定了最伟大的画家的地位。
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米开朗基罗·博纳罗蒂(1475-1564)

意大利文艺复兴盛期的雕塑家、画家、建筑师和诗人。他与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称“文艺复兴三杰”,文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。以人物“健美”著称,即使女性的身体也描画得肌肉健壮。米开朗基罗脾气暴躁,不合群,和达·芬奇与拉斐尔都合不来,经常和他的恩主顶撞,但他一生追求艺术的完美,坚持自己的艺术思路,以现实主义方法和浪漫主义的幻想,表现当时市民阶层的爱国主义和为自己而斗争的精神面貌。在艺术上具有坚强的毅力和雄伟的气魄,现在有一颗小行星3001以他的名字命名,表达了后人对米开朗基罗的尊敬。其代表作有雕塑《大卫》《哀悼基督》,天顶画《创世纪》壁画《最后的审判》

 意大利佛罗伦萨市米开朗基罗广场,有复制的《大卫》及《晨》《暮》《昼》《夜》

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中年的作《大卫》雕像,被认为是象征着为正义事业而奋斗的力量,是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作,也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时,他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想,以精湛的技巧、强烈的信心,雕凿出这尊完美的英雄巨像。

《晨》《暮》《昼》《夜》是两个美第奇坐像前的四尊男女裸体雕像中,《昼》和《暮》雕的都是健壮的男子。《昼》是一位蜷缩而扭转身躯的男子,他隆起肩臂,目光注视人间。这是充满力量又无法施展而不甘心的精神形象,斜卧的姿式隐含欲动之势,恰似笼中的老虎、禁闭中的巨人。而《暮》被表现成为一个强壮的中年男子,他松弛的肌肉无力地下垂着,上了年纪的脸上沉浸在平静的反醒中,或许是由于苦闷而在发呆;《晨》和《夜》为女性裸体。它是成熟女性身体的再现,毫无柔嫩之气,在悲哀与折磨中保持了自己的静态之美。《晨》被塑为欲醒未醒的朦胧神态,似在刚从不安的梦中被惊醒的瞬间。雕像将女性的身体塑得丰满、健壮,具有刚柔兼蓄的美感,富有弹性的肌体虽然处于睡态,却蕴含勃勃生机,它是静、美和力的交响。 

米开朗基罗《哀悼基督》 

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米开朗基罗《哀悼基督》是米开朗基罗为圣彼得大教堂所作,是他早期最著名的代表作。作品的题材取自圣经故事中基督耶酥被犹太总督抓住并钉死在十字架上之后,圣母玛丽亚抱着基督的身体痛哭的情景。雕像中,死去的基督肋下有一道伤痕,脸上没有任何痛苦的表情,横躺在圣母玛丽亚的两膝之间,右手下垂,头向后仰,身体如体操运动员一般细长,腰部弯曲,表现出死亡的虚弱和无力;圣母年轻而秀丽,形象温文尔雅,身着宽大的斗篷和长袍,右手托住基督的身体,左手略向后伸开,表示出无奈的痛苦;头向下俯视着儿子的身体,陷入深深的悲伤之中;细密的衣褶遮住了她厚实的双肩,面罩却衬托出姣美的面容。圣母的表情是静默而复杂的,不仅倾泻了无声的哀痛,也不只是圣母充满哀思的祈祷,它已经大大超出了基督教信仰所饱含的内容,这是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。  

米开朗基罗的天顶画《创世纪》

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米开朗基罗的天顶画《创世纪》,达600平方米,至今仍是世界上最大的天顶画。这幅巨型壁画创作于1508年5月至1512年10月期间,历时长达4年多。画题均取材于《圣经》故事,分别为《神分光暗》,《创造日、月、草木》,《神分水陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《原罪-逐出伊甸园》,《诺亚献祭》,《大洪水》,《诺亚醉酒》。画面由以上9幅中心画面和众多装饰画部组成,共绘有343个人物,其中多数人物都比真人还大。这是西方美术史上最宏伟、最复杂的壁画作品之一。 

 米开朗基罗壁画《最后的审判》   

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《最后的审判》是米开朗基罗为西斯庭教堂所作的祭坛画,场面恢弘,人物众多, 大约四百个人物安排在天上、人间、地狱三个空间。这幅气势磅礴的大构图,体现了米开朗基罗的人文主义思想,他要用正义来惩罚一切邪恶“末日”意味着人类悲剧的总崩溃,所有这些形象尽管有的有名有姓,有的泛指一定的社会阶层,大体上仍未违背宗教公式的模子。艺术家以超人的勇气,全部采用裸体形像来表现,赤条条来,赤条条去,去面对上帝,这又一次证实了他敢于肯定人的意义。米开朗基罗的原则是,执行艺术主要任务的道路是人体,因为他们最能体现人的品质。

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拉斐尔·桑西 (1483-1520)

 意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一;由于高超的艺术造诣而被神化了的拉斐尔,代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的最高峰。和达芬奇与米开朗基罗并称文艺复兴三杰,也是三杰中最年轻的一位。拉斐尔逝世时年仅37岁,但由于他勤勉的创作,给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。他的作品博采众家之长,形成了自己独特的风格,也代表了当时人们最崇尚的审美趣味,他的艺术,被后人尊为“古典主义艺术”,他的作品被尊为“创作典范”而享有盛誉。其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》,《基督显圣》。

《西斯廷圣母》

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  拉斐尔《西斯廷圣母》中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品,画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样,将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女,她的脸上洋溢着坦然的骄傲;为自己手中怀抱着的基督,她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱,因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处,显示出高雅的格调,因而使人获得一种升华的精神享受。 

拉斐尔《雅典学院

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 拉斐尔《雅典学院》以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题,以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础,以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式,寄托他对美好未来的向往。它的主题思想,就是崇拜希腊精神,追求最高的生活理想, 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景,大厅上汇集着不同时代,不同地域和不同学派的著名学者,有以往的思想家,也有当世的名人。他们在自由地讨论,情绪热烈,好象在举行什么典礼,或庆祝某个盛大节日,洋溢着百家争鸣的气氛,凝聚着人类智慧的精华。

拉斐尔《基督显圣》

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 拉斐尔《基督显圣》又名《基督变容图》,是拉斐尔应红衣主教朱利奥·美第奇邀请为法国纳博纳教堂绘制的祭坛画,也是拉斐尔临终前的最后一幅杰作。内容取材于马太福音:耶稣带着彼得、雅各和约翰暗暗地上了高山,突然间就在他们的面前变了形象,脸面明亮如日头,衣裳洁白如光。此时,忽有摩西、以利亚向他们显现,并同耶稣说话。

在拉斐尔的这幅画中,地面上的光线虽然是阴暗的,但人群却被基督显灵的光所照亮。在空中卷起的风暴中,圣光和云朵将基督托起,犹如从天而降来到人间。画面划分为天上和人间两部分,据记载,画的上部分出自拉斐尔本人手笔,而人间的人群则是以罗马诺为首的学生们画的。

 

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